我们在探讨任何一种艺术形式的存在价值时都难以避开一个角度，那就是这种艺术形式与现实之间的关系如何。

同样，在电影美学理论中就存在两种探讨电影与现实之间关系的理论流派，它们分别是蒙太奇美学和纪实性美学。这两种美学流派分别指导和影响了不同时期各个国家的电影创作。

1.蒙太奇美学

蒙太奇美学强调剪辑在电影意义生成上的决定性作用，认为电影意义的生成不仅与拍摄的具体内容相关，更是在后期剪辑中将不同画面组接在一起形成的。蒙太奇一词来源于法语montage，原为建筑学术语，意思是构成、装配。

这个词语后来被苏联电影理论家引入电影美学中，用以表示剪辑与组接，尤其是作为镜头、场面或段落组接的代名词。格里菲斯在其代表性影片《一个国家的诞生》中，就曾经用到了“平行剪辑”“最后一分钟营救”等蒙太奇叙事手法。

但作为蒙太奇美学的最早实践者，他并没有能够对这一理念从理论的高度上加以研究和总结。

最先研究和探索蒙太奇美学的是苏联的电影理论家们，他们最先把蒙太奇从电影技巧上上升到了美学的高度。为了论证电影独特的表现潜力，电影理论家列夫·库里肖夫曾在自己的实验室里做了一个非常有名的实验。

他将同一个面无表情的男演员的脸部特写镜头分别与一盆菜汤、一个躺在棺材里的小女孩儿和一个躺在沙发上的美女等镜头组接在一起，然后邀请不同的观众观看

得到了三个不同意义的解读结果：他们认为第一组镜头表现了一个饥肠辘辘的男性饥饿难熬的样子；

第二组镜头表现了一个刚刚失去爱女的悲痛的父亲，他平静的表情下掩盖不住的是波涛汹涌的悲伤；

第三组镜头则表现了一个在妻子面前含情脉脉的丈夫。

库里肖夫据此得出结论：画面之间的组合与并列才是造成电影观众情绪反应的根源，而这种有意识的画面的组合与并列就是蒙太奇。这就是电影史上有名的“库里肖夫效应”。

爱森斯坦和普多夫金是库里肖夫的学生，他们一边在电影创作中实践着蒙太奇美学，一边在电影创作的基础上继续丰富着蒙太奇美学的理论。

爱森斯坦的《战舰波将金号》和普多夫金的《母亲》达到了“默片时期”蒙太奇美学的顶峰，对后来美国好莱坞戏剧化电影与类型电影的形成都有深远的影响。

蒙太奇美学对于剪辑在电影意义生成方面的探索促进了电影艺术的长足发展，但我们也应看到：对剪辑的过分强调忽视了观众在理解电影意义时的主观能动性，这也是蒙太奇美学后来受到纪实性美学挑战的一个重要原因。

2. 纪实性美学

以卢米埃尔兄弟的作品为代表的早期电影实践有一个共同点，那就是用电影来记录客观现实，这说明纪实性是电影与生俱来的特性之一。

1922 年，美国纪录电影大师罗伯特·弗拉哈迪拍摄了影片《北方的纳努克》。本片记录了爱斯基摩人纳努克一家在冰天雪地的北极生活和劳动的场景，是纪实性电影美学较早的有意识的实践。

电影纪实性美学的集大成者是法国电影理论家安德烈·巴赞，他的纪实性美学观点大多以评论文章的形式发表于他自己创办的杂志《电影手册》月刊中。

巴赞提出了“电影是现实的渐近线”的论断，认为电影所表现的内容无限趋近于现实，但又无法完全等同于现实。他从精神分析学的角度论述了电影发明的心理学动因是人类对再现完整现实的渴望，这一渴望也是电影技术和艺术的发展方向。

古埃及人认为只要肉体不腐便可生命永存，于是他们把尸体制成木乃伊永久地保存下来，以便获得永生。巴赞用“木乃伊情结”来指代人类渴望超越时空的局限性和对生命永存的心理愿望。

与之相类似，人类创造各种造型艺术，如绘画、雕塑、摄影和电影等，都是为了用逼真的摹拟品来再造现实，从而与时间抗衡，留住时光。

巴赞曾在《电影是什么》中说：“电影这个概念与完整无缺的再现现实是等同的，他们所想象的就是再现一个声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的幻境。”

在电影的实践创作上，巴赞提出了长镜头理论。长镜头是指用比较长的时间对一个场景、一场戏进行连续的拍摄，形成一个比较完整的镜头段落。

巴赞推崇写实主义，认为不同于蒙太奇对现实世界的碎片化剪辑，长镜头不切割时间和空间的连续性，才是电影真正的表达方式。

他认为使用长镜头拍摄的画面能够使观众客观地观察持续的空间原貌，以最接近现实世界的角度观察他们眼前的世界。

巴赞的纪实性美学对法国新浪潮电影运动和意大利新现实主义电影运动都有重要影响。

电影与其他艺术门类相比，还属于比较年轻的艺术。自格里菲斯发明了完整的蒙太奇方法之后，电影才开始获得独立的艺术生命。然而又因为受到商业化的束缚，没能在在人们心中确立艺术地位。因此在电影问世前二十年，并没有什么流派产生。直到二十世纪二十年代出现欧洲的先锋派电影，才第一次具有了电影流派的意义和说法。在艺术的众多领域中，电影史是流派最少，历史最短的。但是其辉煌的成就却是不容小觑的。

二十世纪二十年代欧洲出现了先锋派电影，电影才第一次具有了流派的意义和说法。电影史上真正产生较大影响的电影流派大致有以下几个：早期现代主义——欧洲先锋派电影；苏联电影学派——诗电影与散文电影；好莱坞商业电影——类型电影；意大利新现实主义电影；法国新浪潮电影与现代主义流派。

欧洲先锋派电影

先锋派电影（英语：Avant-garde movies）是20世纪20年代以后，主要在法国和德国兴起的一种电影运动，它的重要特点是反传统叙事结构而强调纯视觉性。它作为一种影片样式，也有人称之为纯电影、抽象电影或整体电影。先锋派电影不以盈利为目的，属于不叙说故事的纯视觉影片，这种影片一般由创作者独立拍摄，且大都为短片。

先锋派电影以法国和德国为策源地 。影响遍及整个欧洲，时间自1917年至1928年，大约延续了十余年之久。由于他与当时风靡欧洲的各种现代艺术思潮有着明显的对应关系，加之一位艺术家可能同时接纳多种思潮的影响，所以先锋派电影流派纷呈，成员交错，主要包括：印象主义、表现主义、抽象主义、超现实主义等，另外还有纯电影、街道电影、室内电影等电影主张和实践。

就先锋电影流派而言，它在派别上还可以分为法系电影和德系电影。其中纯电影、达达主义和超现实主义是先锋电影流派的三大主要类别。纯电影，它的主要代表是费尔南·莱谢尔和他的《机器的舞蹈》；达达主义的艺术家们以无政府主义者巴枯宁的“破坏就是创造”的政治口号作为自己的美学信条，以文艺复兴时期的绘画杰作作为讽刺的对象，向传统艺术观进行挑战。最具有代表意义的是杜桑的《带胡须的蒙娜丽莎》。曼·雷伊的《回到理性》（1923年），是达达主义的第一部作品；超现实主义是在达达主义的基础上更进一步的产物。超现实主义的电影制作者们，在达达主义电影的无逻辑、无理性的美学基础上“试图把梦境、心理变饱、无意识或潜意识过程（主要是受弗洛依德的影响，小部分是受马克思主义的影响）搬上银幕”。创造出一种存在于艺术家内心的、超越梦幻与现实的绝对现实的电影作品。 超现实主义成为许多先锋派电影艺术的最终归宿。

苏联电影学派

苏联电影学派一般分为“诗电影”和“散文电影”。“诗电影”是一种以否定情节、探索隐喻和抒情功能为主旨的电影创作主张。 形成于20世纪20年代。早期法国电影先锋派的一些理论家和创作家认为，电影应当像抒情诗那样达到“联想的最大自由”，“电影最完善的体现，是电影诗”。

苏联“诗的电影”理论认为，电影创作应从本民族民间文艺中汲取营养。具有深厚传统的民间文艺(童话故事、民间传说、民歌、民族舞蹈)应成为“诗的电影”创作的源泉。“诗的电影”在艺术手法上也应借鉴民间文艺中的表现手段。代表作有：《战舰波将金号》(1925)、《落叶》、《愿望树》、《带黑斑的白鸟》、《牧歌》…【中国的诗电影代表作：《小城之春》、《城南旧事》】。

散文电影 ：与诗电影相对而言的艺术流派和电影样式。它与20世纪20～30年代出现于欧洲。苏联散文电影的主要代表：尤特凯维奇与格拉西莫夫。他们认为电影艺术的中心任务是塑造“能够使观众喜爱的主人公”；影片中主要的是“人、他们的行动、他们的相互关系”；“形像只有通过与其他人们的相互关系、与事件的相互关系，才有可能创造出来”。主张电影“向散文学习”。

代表作品有 ： 《夏伯阳》、《列宁在十月》、《马克辛三部曲》等。这些影片或塑造了革命领袖形像，或描写了英雄人物的思想发展和性格成长，它们通过叙事结构和对人物的心理刻划，表现了时代环境，歌颂了无产阶级革命斗争以及历史上的丰功伟绩。由苏联派电影所倡导的蒙太奇方法仍是全世界电影理论中宝贵的财产。

好莱坞商业电影——类型电影

好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。

一战结束后十年期间，对于美国电影而言是征服全世界的时期，外国影片在美国两万多家电影院中全部消失，在世界各国美国影片占到全部上映节目的60%~90%之多。电影方面的投资超过十五亿这样大的投入使电影在美国形成一个大规模的工业，在资本上可以与汽车产业，钢铁，石油等相媲美。

类型电影出现在经典好莱坞时期，它是一种电影制作方法，三四十年代曾在好莱坞占据统治地位。它的特点就是样式化或者说是模式化，根据西方的专家研究，好莱坞类型电影一共有75种。但作为艺术流派，影响最大的主要是喜剧片，西部片，犯罪片，歌舞片，幻想片。

喜剧片的代表作为《摩登时代》、《马戏团》、《淘金记》、《城市之光》等，西部片又称为牛仔片，也是最典型的的美国电影。代表作有《关山飞渡》《黄牛惨案》《红河》《正午》《搜索者》。犯罪片包括强盗片，警匪片，黑色片，侦探片，惊悚片等多种类型，其核心还是强盗片。代表作如《疤脸大盗》《我是一个越狱犯》，著名电影大师希区柯克在好莱坞拍摄过很多影片，都属于犯罪片这个类型。幻想片也称之为科幻片，代表作《弗兰肯斯坦》，近期的《星球大战》《外星人》可以说是这个类型片的延续和发展。歌舞片，音乐舞蹈在电影中占有很大的比例，《歌舞大王齐格飞》获得奥斯卡大奖，后来怀斯拍摄的《音乐之声》轰动一时，获得五项奥斯卡奖，至今仍声名在外。

好莱坞类型片实际上是商业化社会艺术产品标准化与规格化的产物。二战后，整个世界政治经济社会条件发生了变化，人们的意识也发生变化，在法国新浪潮运动的影响下之前的单一的电影类型已经不能满足人们的精神需要了。因此，好莱坞类型片走向衰落。

意大利新现实主义电影

意大利新现实主义电影是指20世纪40年代在意大利开始的现实主义电影运动，对世界电影美学及电影拍摄实践具有重要意义，成为西方电影在这一时期最为重要的电影现象。

新现实主义是西方现代电影流派之一，受19世纪末作家维尔加所编导的”真实主义”文艺运动影响，是批判现实主义在特定条件下的发展。它多以真人真事为题材，描绘法西斯统治给意大利普通人民带来的灾难。表现方法上注重平凡景象细节，多用实景和非职业演员，以纪实性手法取代传统的戏剧手法。首部影片是《罗马，不设防的城市》(1945)，代表作有《偷自行车的人》(1948)，《橄榄树下无和平》(1952)等。现该派虽然没有过去声势浩大但一直在发展变化之中，亦在当代中国的电影中也时有显示。

新现实主义电影是在二战结束前后在意大利出现的，它一出现就受到了人们的注意，甚至令人震惊，其原因并不仅仅在于这一电影学派竟然异军突起于在经济、军事和政治上面临全面崩溃的一个法西斯主义国家中，更主要的是它完全以崭新崭新的独特的表现风貌，突破了以往西方电影的部分传统或陈规。在西方电影界中，意大利新现实主义电影甚至还改变了欧美电影界对男女演员的审美标准，即欧美电影以往注意的首先是脸型、身材。而新现实主义电影出现以后，关心的则是《罗马，不设防的城市》中的女主义公安娜·玛尼阿尼式的演员，也就是说更强调了气质。这一观念的转变，在至在八十年代后期的美国新好莱坞的电影中又进一步得到了印签，如简方达等。可见新现实主义电影的影响是划进代的。

法国新浪潮与近期现代主义流派

法国“新浪潮”作为一个现代主义的电影创作流派。它的出现与战后西方现代社会的精神危机和青年人的反抗心理密切相关。发生在欧洲的第二次世界大战，把人们过去的信仰无情的摧毁，人们陷入了信仰真空状态中，特别是青年人因感觉到信仰的丧失和幻想的破灭而变得愤世嫉俗，颓废失意，甚至放浪形骸，以各种姿态来反抗现实社会和既有秩序，法国“新浪潮”在此背景下应运而生。

“新浪潮”电影以表现为主，不去触碰政治，更多是表现战后人们的真实生活。同时，“新浪潮”电影中运用了长镜头和移动摄影。也影响了大洋彼岸的好莱坞的类型电影，打破了它的模式化，对后来的新好莱坞时期的电影和电影制作人有重大影响。因此法国新浪潮电影的出现具有时代性的意义。

克罗德·夏布洛尔的《表兄弟》和《漂亮的塞尔日》是“新浪潮”最早的作品，紧接着有特吕弗的《四百下》，阿兰·雷乃的《广岛之恋》，后来，1960年及以后，又出了让-吕克·戈达尔的《精疲力竭》，埃里克·侯麦的《狮子座》，最后有雅克·里维特的《巴黎属于我们》。

“新浪潮”是电影史上最辉煌的一页。其经典影片不仅是学术研究的个案，电影学子临摹的范本，电影创作的借鉴和参照，也是几代观众永远值得回味和怀想的记忆。

五大流派的出现都和当时的时代背景有着密不可分的关系，都反映了当时那个时代的人们对美好生活的期待与向往。时至今日，现代电影有了更多的流派，其实都是在上面五大流派的基础上延伸出来的，而且现在电影产业的发展也是受到了这些流派的影响，变得越来越专业化和现代化。

作为观众来说，期待可以看到更多更好的电影，同时也希望电影可以反映出我们的时代特点以及人们对未来美好生活的向往。